jueves, 31 de marzo de 2016

Foto en la plaza: Retrato // Mauricio Donelli



"El retrato busca esa parte interna del personaje, un momento de su vida para ser compartido por el fotógrafo y el retratado, una especie de alianza, la cual trata de comunicar la visión del fotógrafo, su punto de vista sobre el personaje y, al mismo tiempo, el retratado/personaje trata de comunicar su estado de ánimo, su ser, su instante de vida. El retrato simplemente busca la comunicación humana a través de una imagen, de un instante, no se necesitan a su vez palabras, la imagen lo dice todo".

Mauricio Donelli


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Mauricio Donelli presentará este proyecto en Foto en la plaza, evento que reúne a tres fotógrafos para abordar un mismo tema: el Retrato. Organizado por Cultura Chacao y RMTF, el encuentro se llevará a cabo el martes 5 de abril a las 6:30 de la tarde en la Plaza Los Palos Grandes.


miércoles, 30 de marzo de 2016

Foto en la plaza: Retrato // Fran Beaufrand


"Abordar un editorial de moda para cualquier publicación implica acercarse con ojo de retratista y asumir una exploración del sujeto y el contexto aunque, en este caso, todo sea fabricado. Así, mi aproximación al retrato se construye muchas veces desde la creación de un personaje interpretado por la modelo, como una actriz guiada por la visión de su director, y recreando momentos donde la puesta en escena esta cuidadosamente elaborada. Las ideas nutridas por la pintura, el cine y la fotografía de tiempos pasados, definen claramente estos retratos". 

Fran Beaufrand

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Fran Beaufrand presentará este proyecto en Foto en la plaza, evento que reúne a tres fotógrafos para abordar un mismo tema: el Retrato. Organizado por Cultura Chacao y RMTF, el encuentro se llevará a cabo el martes 5 de abril a las 6:30 de la tarde en la Plaza Los Palos Grandes.

martes, 29 de marzo de 2016

Foto en la plaza: Retrato


La fotografía toma nuevamente la Plaza Los Palos Grandes el martes 5 de abril a las 6:30 p.m., con el segundo encuentro del ciclo Foto en la plaza, esta vez, dedicado al retrato. Fran Beaufrand, Mauricio Donelli y Vasco Szinetar son los fotógrafos invitados a mostrar sus trabajos, conversar sobre el tema y compartir sus experiencias con los asistentes. El evento es parte de una serie de encuentros organizados por Cultura Chacao y Roberto Mata Taller de Fotografía.

Sobre el tema central del evento, el fotógrafo Roberto Mata, quien será el moderador, explica que el retrato es el género fotográfico que nos acompaña desde el día uno de nuestras vidas, de forma pasiva o activa, y es también un acto de complicidad entre retratista y retratado: “El retratista es un intermediario entre retratado y consumidor final, que de a ratos, según algunos críticos, pasa a ser el verdadero mensaje al autorretratarse cuando retrata al otro”.

A través de Beaufrand, Donelli y Szinetar, al ser autores tan distintos entre sí, es posible aproximarse al retrato desde diferentes perspectivas y definiciones. “Con esta selección, entre otras cosas, esperamos que los asistentes puedan hacer un seguimiento a futuro de cómo ellos van resolviendo el trabajo del día a día, según las diferentes áreas. Poder seguir de cerca el trabajo de un fotógrafo es muy valioso en la formación y en el placer del que se siente atraído por el hecho fotográfico”, dice Mata.

La ponencia de Fran Beaufrand versará sobre el retrato en la moda, temática que ha desarrollado desde los años ochenta aportándole una impronta personal. Mauricio Donelli profundizará en la alianza entre retratado y fotógrafo, la cual resume la comunicación humana a través de una imagen y de un instante. Finalmente, Vasco Szinetar presentará un trabajo en el que experimenta con la desaturación del color como una forma de lograr una expresión más silenciosa en sus retratos.

Foto en la plaza es una manera de llevar la fotografía y sus autores a estar aún más cerca del público, sin la rigurosidad de la propuesta museográfica. La cita es para el martes 5 de abril a las 6:30 p.m. en la Plaza Los Palos Grandes, ubicada en la tercera avenida de Los Palos Grandes, entre 2° y 3° transversal. La entrada es libre.

miércoles, 16 de marzo de 2016

Foto Féminas // Colectiva fotográfica en El Hatillo


El Fondo Venezolano Americano para las Artes (VAEA), en alianza con la Alcaldía del Hatillo, presentan la muesra Foto Féminas, a partir del 17 de marzo a las 6:00 de la tarde. Participan en esta colectiva las fotógrafas Violette Bulle, Nina Dotti, Valentina Gamero, Gala Garrido, Bárbara Hertiman, María Fernanda Lairet, Alejandra Loreto, Beatriz Nones, María Ángeles Octavio, Nathalie Vera y Antonieta Zerré, bajo la curaduría de Benjamín Villares.

Foto Féminas es un proyecto que reúne once miradas femeninas en la fotografía contemporánea venezolana, con la intención de que el espectador pueda percibir la diversidad y la pluralidad de los planteamientos. ”Hemos querido destacar, paralelamente, a la versatilidad de este medio en el extenso campo de las artes visuales, la particularidad de las miradas desde un punto de vista de género. Al tratarse exclusivamente de artistas de sexo femenino, destacan los acercamientos más refinados, intuitivos y delicados. Sin embargo en algunas ocasiones, en contraste, más provocadores y directos”, dice el curador.

Este proyecto se presentó antes en el Museo de Arte Acarigua Araure (2014) y en el MACZUL (2015). En Caracas se exhibirá en la Sala de Exposiciones Centro de Arte El Hatillo, ubicada en la calle Bellavista (al lado del Centro Comercial Paseo El Hatillo).

viernes, 11 de marzo de 2016

Fotografía para niños con Amada Granado


A partir del 19 de marzo, Amada Granado dictará en Barcelona, España, La primera toma, un taller de fotografía dirigido a niños de 5 a 8 años de edad. La finalidad de esta propuesta académica es despertar en los participantes una inquietud por la fotografía.

Dice Granado que este taller pretende incentivar la mirada ingenua, sin prejuicios, que refleja el mundo que rodea a un niño. La experiencia está inspirada en el fotógrafo francés Jacques Henri Lartigue (1894), quien motivado por captar momentos de felicidad, comenzó a tomar fotos a la edad de 6 años. El resultado final será una exposición de las fotografías tomadas en el taller, imágenes que, en conjunto, terminan siendo un ensayo poético visual realizado por niños.

La primera toma es un proyecto taller para niños que inició en el año 2015, en el Centro Cultural Estación de Puerto Varas, Chile, gracias al apoyo del Departamento de Cultura de la Municipalidad de Puerto Varas.

Para conocer detalles sobre contenido, horarios, fechas e inscripciones, pueden revisar aquí.  

miércoles, 9 de marzo de 2016

Penínsulas // Fotografías de Ricardo Peña


"Algunas fotografías parecen ser autónomas, estar distanciadas tanto de la mirada del fotógrafo como del 'ojo' técnico de la cámara, tanto de las coordenadas del tiempo, como de las determinaciones de su propia condición técnica. Se trata de una 'autonomía' que acontece cuando la superficie que es la imagen se muestra como materialidad densa y profundidad espacial, como silencio y sobrecogimiento; cuando en la presencia que es la imagen hay una quietud, un silencio, una soledad que se convierten en vastedad, en inmensidad: un cielo lleno de detalles y variaciones que absorbe toda la superficie; un horizonte lejano, casi ausente; un trozo de tierra o un camino que se impone en su consistencia y sus grietas; un atardecer de colores inmóviles e imposibles.

Las fotografías pertenecientes al proyecto Penínsulas, que presenta Ricardo Peña en Carmen Araujo Arte, son unos ejemplares emblemáticos de esta fotografía autónoma, cercana a lo sublime, que en este caso opera como una alegoría de la existencia humana, tanto en lo que se refiere a su contextura esencial –espiritual–, como a su habitar en esta geografía sociopolítica, la de la Venezuela contemporánea. En efecto, las penínsulas, en su condición de 'casi-islas' traen a escena ese modo de existencia en el que conviven el aislamiento y los vínculos, la soledad y el encuentro con la inmensidad del otro, con su extrañeza", dice Sandra Pinardi, curadora de la muestra que se expondrá a partir del 13 de marzo a las 11:30 de la mañana.



En este proyecto, Peña centra su mirada en Araya y Paria, las penínsulas extremas del territorio venezolano. La muestra permanecerá en la galería ubicada en la Hacienda La Trinidad hasta el 24 de abril. 

Ricardo Peña (Caracas, 1977) vive y trabaja entre Bogotá y Caracas. Realizó estudios en Letras en la Universidad Católica Andrés Bello (Caracas), también obtuvo el título Asociado en Artes mención Fotografía en Rockport College (Maine, EEUU) y el título en Artes mención Fotografía, en Art Institute of Boston (Massachusetts, EEUU). Entre sus exposiciones individuales destacan: El paraíso (Carmen Araujo Arte), 4 x 5 (La Carnicería Arte Actual), Álbum de Familia (Fundación Centro Nacional de la Fotografía, Biblioteca Nacional) y Retrato en Familia (Roberto Mata Taller de Fotografía). Desde el año 2001 ha participado en numerosas muestras colectivas realizadas en diversos espacios de Venezuela, Estados Unidos y Europa.

martes, 8 de marzo de 2016

{cuentafoto} // Presentación en Lugar Común



El viernes 11 de marzo se presentará en los espacios de la Librería Lugar Común {cuentafoto}, un proyecto de Sergio Sánchez. La proyección se llevará a cabo a las 7:00 de la noche y tendrá como invitados a Daniel Prado y Mariana Morales, junto al autor.

{cuentafoto} es una propuesta en la que se combinan imágenes y textos. La dinámica siempre es la misma: un fotógrafo le envía una imagen a Sánchez y él, a partir de dicha imagen, escribe un cuento. De esta manera letras y fotos se unen complementándose.

En la muestra que se presentará en la librería, Sánchez trabaja con fotografías de Enzo Sebastiani, Mílitza Zúpan, Carolina Rivas, Sergio Urbina, Mauricio Sandoval, Félix Rojas, Álvaro Sequea, Andrea Saturno, Ender Anaya, Eleazar 'Caps' Briceño, Daniel Prado, Mariana Morales, David Jurín, Jesús Colmenares, Jesús Navas, Yan Hernández, Daniel Méndez, Ambrosio Oviedo y Brait Hernández.

La Librería Lugar Común está ubicada en Altamira, avenida Del Ávila, Edif. Humboldt.

lunes, 7 de marzo de 2016

Lo que aprendí, por Antonio Pérez Aguirre


Hoy culminamos el curso Digital 3 en el Roberto Mata Taller de Fotografía dictado por el mismísimo Rey de la California, Roberto Mata. Quiero reflexionar acerca de esta maravillosa experiencia, más que académica, de vida. Les confieso que mis expectativas eran otras, y muy lejos de decepcionarme quedé gratamente sorprendido.

Cuando Roberto nos dijo en la primera clase que el curso era para nosotros como individuos y no para aprender a usar la cámara fotográfica, no me imaginaba por toda la reflexión por la que circunvalaríamos en estas cinco semanas.

El grupo no podía ser más heterogéneo: periodistas, diseñadores, estudiantes de educación básica y universitarios, ingenieros, marinos de guerra, gerentes, reporteros gráficos, amas de casa; unos artistas y otros intentando serlo; los años de experiencia más desiguales imposible, desde un virtuoso del cuatro de 13 años, hasta adultos contemporáneos que lo cuadruplicamos en edad.

Nos paseamos por el retrato a un desconocido, a una persona de la tercera edad, por responder con imágenes preguntas, dudas existenciales y filosóficas, miedos, temores y obstáculos; nos desnudamos emocionalmente frente a desconocidos (hoy no lo somos tanto); pensamos, nos estresamos, nos divertimos y reímos mucho, y en más de una oportunidad, un par de lágrimas corrieron por nuestras mejillas; y lo más importante, aprendimos de fotografía, de edición, de los errores propios y de los ajenos, de las virtudes de unos y de los defectos de otros.

De todos aprendí, o mejor dicho, aprendimos. Algunos son artistas natos que están en proceso de maduración como tal y otros tenemos intenciones de serlo; unos demostraron que nunca es tarde para empezar de nuevo, otros que la distancia no es un obstáculo si se quiere aprender; unos descubriéndose en la adolescencia, y otros en la adultez; unos niños maduros, otros adultos jóvenes; unos que no paramos de hablar, otros que miden cada una de sus palabras; unos extrovertidos, otros encerrados en sus carapachos; pero todos con necesidad de comunicar con imágenes lo que llevamos por dentro.

De Roberto corroboré que si amas lo que haces no trabajas ni un minuto de tu vida.

Me atrevo a decir sin temor a equivocarme, que después de cinco semanas somos, no sé si mejores fotógrafos, pero sí estoy seguro de que somos mejores personas y crecimos como seres humanos.

Gracias a todos, y especialmente a Roberto Mata.
 
Antonio Pérez Aguirre


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Texto publicado originalmente en el blog del autor, Oteando desde la cofa.

viernes, 4 de marzo de 2016

Focus: Jonathan Monaghan // Global Visions


En el marco de Global Visions se está presentando una exposición de Jonathan Monaghan, reconocido artista emergente estadounidense cuya obra se basa en videoarte y nuevos medios. En Focus, la muestra que se exhibe en Caracas, se puede apreciar el uso animación informática y métodos digitales para crear piezas provocadoras que evocan miedos relacioandos a la riqueza, el poder y la tecnología. 

“Las distorsiones en las percepciones de la realidad parecen incrementarse exponencialmente con las nuevas tecnologías digitales; cuando se trabaja con estos mismos medios, creo que es importante que la obra entienda su propia artificialidad”, explica Kelly Gordon, curadora de la exposición. Esta es la individual de Monaghan en Latinoamérica -ha sido exhibido en galerías y museos de Estados Unidos, Europa y Asia-. Focus: Jonathan Monaghan estará en Backroom Caracas y en el Secadero 3 de Hacienda La Trinidad Parque Cultural hasta el 20 de marzo y, posteriormente, en el MACZUL, estado Zulia. 

Global Visions es un programa que comprende exhibiciones de artistas internacionales en varios formatos y conversaciones y que surge con la intención de compartir con el público venezolano oportunidades para mirar, conocer y pensar más sobre la imagen en movimiento, desde una perspectiva mundial. El programa ha sido propuesto y diseñado por Kelly Gordon, quien es especialista en imagen en movimiento y fundadora de la colección de Filmes y nuevos medios del Museo Hirshhorn del Instituto Smithsonian en Washington. 

Para conocer más sobre Global Visions, pueden visitar la web de Backroom Caracas.

jueves, 3 de marzo de 2016

Una reflexión de Daniel Hernández, a propósito de Foto en la plaza



‪#‎FotoEnLaPlaza‬, con las ponencias de Efrain Vivas, Hayfer Brea, Ricardo Peña y Alejandro Sayegh sobre el Paisaje. Plaza Los Palos Grandes, Chacao. Miércoles 1° de marzo de 2016.

Una bella noche llena de gente bellamente ansiosa de saber del paisaje y que, a pesar de importantes omisiones referidas al mismo, se llevaron el buen sabor del trabajo fotográfico y la reflexión a partir de algunas palabras de los fotógrafos que dieron un homenaje a la línea horizontal. El encuentro en general me dejo notar varias ausencias importantes que me crearon varias incertidumbres. Creo que en esta ocasión me hubiese gustado ver algo más enfocado en la profundidad del ver, la de ver el paisaje, la del viajero, la del artista viajero o las motivaciones que produjeron tal interés en particular por el paisaje y no un enfoque en otra cosa. Faltó puntualizar, más allá de la fotografía o alguna técnica afín a la especialidad del fotografiar el paisaje.

El paisaje es mucho más amplio y, absolutamente en todas las ocasiones, más cercano a nuestros pies, a nuestro olfato, a nuestros oídos, más que al objetivo de nuestras cámaras o a nuestras intensiones de tomar una imagen. Recordé mucho a mi querido y admirado Ricardo Armas que, hablando de nuestras formas de educar, me comentaba que en sus clases de retrato le explicaba a sus alumnos que este no sólo se basaba en el tradicional y conocido encuadre en primer plano del rostro, argumentándoles teóricamente varios aspectos profundos de la fotografía y del retrato, y luego, tras una pausa silenciosa, les preguntaba: "¿Ustedes se han visto los codos?". Después de otro silencio, les preguntaba de nuevo: "¿Ustedes se han visto la planta de los pies? ¿Se han visto la nuca? ¿Detrás de las orejas o detrás de las rodillas?". Y luego de eso, reflexionaba en voz alta para continuar con la dinámica. Todos sus alumnos estaban seguros de que el retrato radicaba en el rostro. 

Ricardo, para hacerlos profundizar más aún, al terminar la clase les mandaba como ejercicio a fijarse en eso, pero también a fijarse en otras cosas que también son retrato y que son parte de la profundidad del ver (a la que me refiero). Los enviaba a realizar fotografías de sus gavetas, de sus habitaciones, por supuesto, sin arreglar, tal cual son. En resumen, ejercicios que profundizaban en el difícil arte del retrato fotográfico. 

En el caso del paisaje sucede lo mismo. El paisaje no está contenido en una línea horizontal solamente ni en un cielo azul. También hay que profundizar acerca de lo que tenemos debajo de los pies, lo que está debajo de las piedras, atrapar el frío, atrapar el calor, atrapar algo que signifique algo, más allá de la infinitud, de la lejanía horizontal.

Daniel Hernández

miércoles, 2 de marzo de 2016

Fotografías de Briceño y Ochoa en Beatriz Gil Galería

Corina Briceño

En los espacios de Beatriz Gil Galería se están presentando 125 Flores y Estar, muestras individuales de Corina Briceño y Cristóbal Ochoa que tienen como punto en común el uso de la fotografía. Ambas muestras fueron curadas por Lorena González.

125 Flores es un conjunto de fotografías y pinturas que habla de la percepción de la autora de la inseguridad y la violencia que se viven día a día en Caracas, y sus consecuencias. El proyecto es resultado de un proceso de investigación que Briceño inició hace varios años, tras una noticia que leyó en la prensa nacional sobre el elevado número de muertes en Caracas durante un fin de semana.

“Revela una acción poética hilvanada en un tiempo doble: por un lado, el homenaje a todos aquellos que han perecido en las violentas falanges de una ciudad fracturada; en el fondo y a contrapunto, el reflejo de un silencio detenido que murmura desde la imagen, para no olvidar aquello que nunca debió suceder”, dice la curadora sobre la propuesta de Briceño que se expone en la Sala 1.

Cristobal Ochoa

El proyecto expositivo de Ochoa, Estar, es un registro fotográfico de su performance Los conos de madre. El artista ha recorrido varios lugares de Venezuela, China, Corea del Sur, Inglaterra, Colombia, República Checa y Francia. El desarrollo de esta acción de calle comenzó hace tres años y ha implicado la construcción de trajes compuestos por conos en tonalidades diversas, con los cuales el artista interviene en distintos lugares públicos.

Para González, el color en el trabajo de Ochoa se ha vuelto una figura fundamental de interacción con el afuera y el performance ha sido el engranaje de toda su investigación visual. Esta muestra se presenta en la sala 2 del recinto.

125 Flores y Estar se exhiben hasta el 20 de marzo en la galería, ubicada en la calle California con calle Jalisco de Las Mercedes. Horario de visitas: lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m.